Podcast De La Gran Evasión

Esperar el final en una celda no está entre los planes de Fontaine. Ahí dentro leerá unas líneas extraídas de la Biblia, del diálogo entre Jesús y Nicodemo. “Tenéis que nacer de nuevo. El viento sopla donde quiere”. Nacer de nuevo, escapar. La fe mueve montañas, la voluntad de un hombre que ya no tiene nada que perder, porque le han condenado a muerte. Ese viento mueve el cabello de los dos fugitivos mientras se dejan caer por una cuerda hecha de retales. La meticulosidad, el detalle del trabajo del reo, el mismo poder hipnótico de otro film hermano, La Evasión de Jacques Becker. En esa fuga era un grupo de convictos, aquí es un individuo, sin embargo, también necesitará la colaboración de otros seres humanos para lograr su objetivo. Ya sea para sacar cartas manuscritas al exterior, ya sea para que le sostenga la cuerda o los ganchos en la escapada. Bresson despoja su lenguaje cinematográfico de aditamentos innecesarios, las manos del cautivo convierten una cuchara en un cincel, calibran la dureza de la ma

Hoy comentamos un trabajo bien documentado de Pakula y Robert Redford, comprometido con el proyecto desde mucho tiempo antes. Redford insistía en el rigor y la exactitud, quería un enfoque totalmente de documental, a lo que Pakula se negó argumentando que si no imprimía algo de suspense a la acción nadie querría acudir a las salas a ver la película. En este thriller periodístico de factura seria, Pakula se centra en el trabajo de los periodistas y cuenta con el guionista William Goldman para condensar los hechos que cuenta. He ahí el meollo, no importa el final porque ya lo sabemos, para muchos se comete el error de abrumar con demasiados datos, apellidos, que lleguen a confundir ar a un espectador poco intuitivo y no dispuesto a dejarse llevar por el maremágnum al que asiste. Woodward recibirá un día una llamada enigmática, una garganta profunda con ajustes de cuentas pendientes quiere aportar luz en sus pasos a ciegas. La madeja se va deshilando y las teclas de las máquinas de escribir de los dos report

El documentalista peruano-español Javier Corcuera se aventura con su equipo hasta la sierra del Puno, y a las calles de Lima, para recordar la impunidad de una matanza de civiles qué simplemente querían reivindicar sus derechos como ciudadanos. Desde la apuesta formal cuidada con la fotografía de Mariano Agudo, colaborador del realizador desde su primer largo “La espalda del mundo”. Javier Corcuera nos aproxima a la humildad y a la solidaridad entre los manifestantes en Lima, de las mujeres indígenas, del sufrimiento de los dañados. Esa mirada poética nos toca el alma, la belleza del lago Titicaca con los Andes en el horizonte. En su silencio escuchamos un grito de injusticia, un viaje de la memoria hacia el pasado. Con unas imágenes iniciales reales grabadas con móviles, de la dureza de los hechos a la dulzura de esas gentes del Altiplano. Corcuera y su equipo entrevistan a los familiares en su entorno, la primera vez que eran escuchados por un medio en el que confiaban, se abren y lloran sus muertos apel

Las parejas enamoradas de Mai Zetterling no lo están, se casan por conveniencia, se abandonan, o se aborrecen. La fijación de la directora con la maternidad, el embarazo, la ansiedad y la angustia, o su desprecio del matrimonio como institución debió confundir bastante al personal. Con una narración audaz, a través de saltos en el tiempo y una cantidad de personajes que en una primera visión del film puede confundir, abrumar al espectador. Zetterling adaptó junto a su pareja en ese momento, David Hughes, el ciclo de novelas de la escritora Agnes von Krusenstjerna. La primera parte del film presenta a las tres mujeres protagonistas. Las tres embarazadas en un hospital, a punto de dar a luz, recuerdan sus vidas, un médico cínico, una tía, Petra, la narradora original en la serie de novelas, o un pintor homosexual, personajes bisagra ambos. En la segunda parte, el solsticio de verano reunirá al grupo entero, ahí entran aún más personajes. Domina la señora Landborg, anfitriona promiscua, locuaz, y cínica a má

Intensa como un amor de verano en la adolescencia es la historia de un verano y una noche memorable. A flor de piel y a base de sofocos y sudores el bueno de Hermine despertará sus sentidos ese verano del 42. Esas vacaciones con sus dos amigos perdurarán en su memoria mientras viva. El terrible trío camina por las playas de Nantucket, absortos entre tanta chica en bañador, el sol calienta y al otro lado del charco se fragua el desenlace de la segunda guerra mundial. Poco preocupa eso a estos tres, más centrados en otros menesteres, en sentarse en el cine al lado de una chica, leer los consejos de un libro didáctico sobre sexo, o conseguir preservativos en la farmacia del pueblo. Desde un planteamiento de inocencia que encandila al espectador, con una fotografía difusa que evoca el recuerdo de un recuerdo, con toques de humor y una sensibilidad acentuada por la música de Michel Legrand. Mulligan nos sitúa en el verano en que Hermie dejó de ser Hermie. Idealizando a una veinteañera con el rostro perfilado de

Un trago de whisky quizá temple el pulso a algunos, los que tienen más aguante y andares de John Wayne sabrán saborear un whisky on the rocks y poner cara de póquer. Ocurre que un Scotch bien destilado también puede desquiciar al personal, al que busca la juerga y disfruta vertiendo desde arriba el licor sobre el amigo borracho en la arena. El protagonista de este melodrama con atmósfera de cine negro, fotografía nItida de Torres Garriga, y la brillantez de Arturo Fernández, un caradura, un gigoló, bastante camuflado por la censura de la época. Se da a entender que vive de las mujeres, un jeta con don de gentes y buen físico que sabe camelarse a las féminas. Todo esto suavizado con la moralista cita del comienzo, el daño que causamos a una persona se prolonga más allá. Todas nuestras acciones tienen consecuencias en el prójimo. Asoma el primer boom turístico con las tres inglesas que Víctor y su amigo el estudiante de medicina (Carlos Larrañaga) emborrachan y llevan a una playa de la costa brava para seguir

Se hace extraño volver a ver una película como El otro lado de la cama dos décadas después, cuando uno ya peina canas y se piensa menos con los genitales y los dolores de cabeza son más frecuentes, ya no precisamente por las resacas. La comedia de enredo y de malentendidos de Martínez-Lázaro pegó el pelotazo en su momento, y todo dios fue a las salas a verla. Con éxitos de pop rock español de la época, la audacia de los actores de cantar las canciones y hacer las coreografías, aporta naturalidad a la frivolidad de lo expuesto. Amigos comunes con intercambios de pareja, pero estos no son pactados ni en grupo como en el Intercambio de parejas frente al mar, de García Pelayo. Éstos se ocultan los cuernos, como si fuera tan fácil entrar por las puertas con las astas de un ciervo real. La peña salía del cine con una sonrisa de oreja a oreja, y es que el ritmo ágil y buena dirección de actores, los bailes y canciones engarzan las escenas y los diálogos algo tontos en ocasiones. Según uno de los personajes todos som

Tras triunfar con La naranja mecánica y quedarse con las ganas de llevar al cine su ambicioso proyecto sobre la vida de Napoleón, Kubrick nos sumerge en batallas de la Guerra de los 7 años, en partidas de naipes iluminadas por velas, en duelos absurdos de hombres que sacan pecho y esperan el disparo a pocos metros, sacar pecho a la muerte, entre árboles y prados irlandeses. El film avanza a través de la compasión distanciada hacia la especie humana, el joven Redmond Barry, un ser del que nos compadecemos antes sus desgracias, nos alegraremos de sus venturas y también podremos aborrecer por sus acciones. Un irlandés intrépido, vividor, se propone convertirse en un caballero distinguido en la Europa dieciochesca. Una época presentada a base de planos de gran belleza. Cuadros vivos, Kubrick se inspiró en pintores del siglo XVIII como William Hogarth, George Stubbs o John Constable. La sarabanda de Handel, las piezas de Vivaldi y Schubert, o las canciones irlandesas tradicionales escogidas realzan la emoción de

De nuevo una cita con nuestro Festival de Cine Europeo de Sevilla, descubrimos nuevas fronteras y sensibilidades a través de las películas de las diferentes secciones, la sección oficial, Rampa, Embrujo, Alumbramiento, European Film Academy, una selección de las Nominadas a los Premios de la Academia del Cine Europeo. Raúl Gallego, José Miguel Moreno, Eduardo Aragón Mijangos, escritor desde Méjico y Antonio Navarro, programador del Festival, repasamos lo que más nos gustó de esta edición. La madre Teresa de Calcuta en “Mother” , el traumático proceso en una sala de vistas de “We believe you”, la llamada a una revolución diferente de “La anatomía de los caballos”, la comedia estudiantil italiana de ªA year of School”, los colores luminosos y la oveja rosa de “D J Ahmet”, la industria turca del transplante capilar de “Before/After”, la rebeldía de “Enzo”, la investigación en clave de thriller de “Dossier 137”, el humor ácido de “Un poeta”…además, Raquel Moreno también nos deja su comentario sobre “Dandelion´

Imbuidos por el espíritu gótico de una fábula con hada buena, la vendedora de cosméticos interpretada por Dianne Wiest, la vecina ninfómana, bruja traicionera, y Edward Johnny Depp-, una criatura extraordinaria, dotada de bondad, talento, y maldita por una deformación congénita en forma de tijeras metálicas. Eduardo quiere abrazar a los demás y no puede porque los lastima. Sobre todo quiere abrazar a la cheerleader -Wynona Ryder- la hija de la familia que la acoge en esa urbanización tan coqueta y mediocre. El responsable de su génesis es un extravagante confitero -Vincent Price en su última aparición-. Las tijeras eran sus manos originales. las utilizaba para cortar las galletas en forma de corazón, Edward era uno de los robots utilizados en la línea de montaje. A este tipo de creador solitario volverá Burton con el Willie Wonka de Charlie y la Fábrica de Chocolate. El universo artificioso nos alucina, en un pueblo con casas de colorines y coches que salen a trabajar en sinfonía cromática y al lado el caser

Peter Falk y Gena Rowlands son marido y mujer en este film magistral. Verdaderamente ambos se quieren, y así es, a pesar de todo. Cassavetes mismo dijo que esta película iba sobre el precio que hay que pagar por mantener una relación. Es agotador observar la relación de los dos, que se entienden bien según el momento, Mabel, en una de las secuencias más recordadas, con el psiquiatra familiar en casa presto a banderillear a la paciente con la dosis necesaria. Ella mira a su marido, se querrán hasta la muerte, nadie del exterior debe interponerse en su amor recíproco, él asiente, y entonces entra la suegra en escena, gritando como una posesa, a esta mujer hay que llevársela, tiene a sus hijos abandonados. Toda esta dantesca situación es mostrada por Cassavetes y su cámara Al Ruban con agilidad y ansiedad, la cámara, inestable, se mueve de izquierda a derecha, de pronto los niños suben corriendo la escalera y el hombre en bata mira hacia arriba con la cara descompuesta, los gritos, los golpes y la desesperaci

Entre el thriller, el acercamiento a la comunidad Amish y la relación sentimental del policía y la viuda, dos personas poco adaptadas a sus propios entornos. Y todo eso visto a través de los ojos inocente de un niño. Ese niño llega en el momento equivocado a un cuarto de baño de estación, y será testigo de un crimen bárbaro. Los Amish son presentados con respeto y algún toque de humor, y Weir contrapone la pureza de esas gentes sin reparar en aspectos negativos como la intolerancia puritana de estas sectas, el patriarca llama a todos los ajenos a su sociedad cerrada “ingleses”, ten cuidado con los ingleses le espeta a la nuera que viaja a la gran urbe por primera vez con su hijo. El crío -Lukas Haas- admira al policía desde que lo conoce, a ese policía con dotes de carpintero, en su estancia en las bucólicas tierras de los Amish entregará su arma de fuego a la mujer, el símbolo de la violencia de los “ingleses” que ellos rechazan radicalmente. Lo mejor de Único Testigo es el magnetismo que desprende la rel

La sombra de la guerra de Secesión y la fiebre amarilla se ciernen sobre los personajes de “Jezabel”, el melodrama de William Wyler precedente de la superproducción de la MGM “Lo que el viento se llevó”. Aquí tenemos a Julie (Bette Davis), una jovencita del sur, caprichosa y manipuladora, tanto como Escarlata O¨Hara. En torno a Bette Davis gravitan todos los personajes y objetos del film, los esclavos negros de igual forma parecen vivir felices en su situación, con niños graciosos y el tío Cato, el mayordomo que brinda por el matrimonio del caballero sureño en la cocina para que nadie le vea. Julie, la Davis, resplandece con su vestido rojo en un vals de mujeres de blanco, una mujer adelantada a su época, vanidosa y terca, expresa la ira, la emoción, la pasión y la depresión en esos primeros planos que su ferviente admirador Wyler le dedica. Preston -Henry Fonda- la quiere, aunque es de la misma tierra de pantanos y tradiciones, simboliza los valores de la modernidad, los aires que soplan desde el norte y

Kenji Mizoguchi nos traslada al Japón de la era Meiji, al Tokyo del año 1888 y a un teatro kabuki en la Historia del último Crisantemo. Con un estilo visual muy cuidado y siguiendo su tema habitual, la experiencia de mujeres oprimidas por las reglas sociales, por el entorno patriarcal de la cultura japonesa. Mujeres inteligentes, valientes, en la sombra, como Otoku -Kahuho Mori-, esta niñera sobre la que circula todo el relato, circula en torno a su altruísmo y en torno al aprendizaje de un niño mimado, Kikinosuke – Shotaro Hanagayi-, vástago de un prestigioso actor, debe mantener el abolengo de su apellido. Mizoguchi apela a los sentimientos sin subrayados, con armónicos planos secuencia y travellings fluye su elegía a una mujer, presenta a los personajes encarcelados en sus aposentos, entre el tatami y las celosías de madera espiamos las murmuraciones y preocupaciones privadas de los personajes. La cámara barre lentamente los rincones del teatro y en segundo plano observamos los tramoyistas, los actores,

Las notas de Fabio Frizzi nos abren la puerta del inframundo, el sótano más inundado en un hotel de Lousiana oculta una de las siete puertas del infierno. Fulci el maestro de los gusanos y las entrañas, del terror orgánico, despliega sus obsesiones más enfermizas. Una mujer ciega -Cinzia Monreale- advierte a la propietaria del hotel maldito. La joven de pupilas blancas no puede explicarle el origen del terror, solo la avisa, es una enviada, procede del más allá y conoce las entidades oscuras. Visiones impactantes y efectos grotescos se suceden, saltamos de un escenario dantesco a otro peor, de un sótano anegado a una morgue de blancura diáfana, de una bañera podrida al mar de las tinieblas. Un argumento irracional, lo que ocurre en ese insólito hotel y ese hospital es de pesadilla, la condenación humana, y perruna, la maldición latente desde que mucho tiempo atrás una turba empareda y crucifica al pintor de un cuadro tenebroso, esa pintura del averno, el mismo escenario final, piélago de muerte donde las alma

En este místico viaje a través de Berlín, los ángeles, testigos silenciosos, contemplan la ciudad desde torreones y monumentos, la cámara salta y planea sobre los transeúntes, sobre los coches, ellos escuchan sus pensamientos e intentan confortar a los más infelices con su presencia invisible. El reflexivo film de Wenders exalta la celebración de la vida, el amor al prójimo y a uno mismo, como cantaba Walt Whitman en sus poemas. Wenders filmó sin un guion al uso, partía de poemas de Peter Handke, de versos iba recreando imágenes, de ahí la extrañeza que se pueda sentir, sobre todo en la primera parte, etérea y abstracta, con dos heraldos de la bondad que se reúnen en un coche para hacer recuento de sus notas, uno de ellos confiesa que está algo cansado de no poder sentir, desear, de una biblioteca luminosa, catedral de los libros, paraíso poblado de ángeles y mortales, lecturas que se confunden con la música de Jürgen Knieper. Los textos de Handke verbalizados por Homero, el anciano en busca de la plaza

Truffaut y Jean-Louis Richard se inspiraron en algunos crímenes pasionales de aquel verano, que poblaba las paginas de sucesos, para redactar el guion. La palabra “Adulterio” proviene del latín “adulterare”, falsificar o alterar el orden de algo establecido, en este caso el matrimonio. La belleza emboba al hombre maduro, el intelectual experto en Balzac se embelesa con una azafata, la pasión de un amor clandestino, su prestigio y cierta fama engatusan a la mujer joven, independiente, con otro estatus profesional al del intelectual, sabe bailar sola, la zozobra está en el otro lado. Esa zozobra la trasmite con brillantez el actor Jean Desailly, otorga al escritor una languidez y una inquietud incómoda, es un niño con zapatos nuevos que no sabe atarse los cordones. Con su rictus de cordero degollado, sale de la gasolinera, la chica ha desaparecido, ha ido a cambiarse esos vaqueros que al niño grande no le convencen, y él mira a un lado y a otro, desconcertado, hasta que el mundo vuelve a girar cuando ella

El vals de la viuda alegre suena varias veces en La sombra de una duda, la pantalla se llena de danzantes dando vueltas y vueltas. La amenaza avisa mediante un telegrama a la familia, un tío adorado por su hermana y su sobrina, le tienen en un pedestal, vuelve a la pacífica villa de Santa Rosa. La fascinación que siente el personaje de Theresa Wright por su tío, excepcional Joseph Cotten, irá cambiando al miedo, a medida que va descubriendo la verdadera esencia de su pariente, y el chantaje posterior del aparente ciudadano ejemplar. Antes de albergar la más mínima sospecha, ya quiere descubrir los secretos de su apuesto y adinerado tío. El error de Charlie radica en confiar demasiado en la inocencia de la joven, la admiración a su persona de casi todas las mujeres le ciega. Charlie irá enseñando los dientes, dejando pruebas de su patología criminal, un periódico con recortes, un anillo con unas iniciales, y ciertos soliloquios en la cena con un odio cerval a las señoras viudas, y a la humanidad en general.

No es demasiado difícil encontrar similitudes, apariencias exteriores, entre la película de Koreeda, Un asunto de familia y la obra maestra de Yazujiro Ozu Historia de un vecindario. En ambas el amor vuelve a un lugar donde el vacío encuentra alguien que lo necesita, sin un vínculo de sangre que lo atestigüe. El cine de Koreeda, sin embargo, muy honestamente, siempre se ha visto fuera por gustos propios del Gran Yasujiro Ozu. Koreeda llega a la emoción, llega a través de cada una de sus películas que son magníficas y también en Un asunto de familia, como Erice, otro maestro, a emocionarnos de tal forma que no podemos negar esas interrelaciones, esencialmente en su falta o en su reencuentro que vale mucho más que la presencia que de ella se presupone. En el cine de Ozu, la historia es distinta. Si es Mizoguchi el que dice, entre Ozu y yo hay una gran diferencia. Yo hago de lo cotidiano algo extraordinario, pero Ozu hace de lo cotidiano algo ordinario. Lo que son esos barquitos que pululan a muy baja velocidad,

¿Qué podemos amar que no sea una sombra?. El misterio es un cine, para encontrarse con un amor pasado. La adoración a un padre lacónico que una noche fría perderá su magia tras una copa de coñac. A ritmo de pasodoble, asistimos a esta historia mágica en torno a un padre y una hija, entre el norte y el sur. En una casa alquilada en medio del campo, llamada la Gaviota, vive una cría con sus ausencias. Una madre represaliada de la República y un padre al que adora, un padre que la hipnotiza con un péndulo de zahorí, hace cosas que nadie más puede hacer. Erice consigue tocar la fibra porque apela al subconsciente, a recuerdos de la infancia. Escuchamos ladridos del perro y la luz del amanecer va dando forma a los rincones de la habitación, una adolescente en la cama mira el reloj y el tic tac suena más claro, están llamando a voces a su padre, esa mañana no ha vuelto a casa. Imágenes de gran belleza pictórica cubren estas memorias de fingida alegría. El hombre es un dios cuando sueña y un mendigo cuando refle